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激情、幻想與“戀物癖”

2019-12-2 14:52| 發布者:cphoto| 查看:424| 評論:0|來自:Olafur Eliasson

摘要:如果一定要問我,藝術是什么?我想,可能是人類感情高凝度的投射。藝術家用“物”來表達強烈情感。而先鋒藝術,往往就是這樣,讓人看不懂,卻可以感受到藝術家的激情和想象。Olafur Eliasson,他所呈現的正是「設計 ...

如果一定要問我,藝術是什么?

我想,可能是人類感情高凝度的投射。藝術家用“物”來表達強烈情感。而先鋒藝術,往往就是這樣,讓人看不懂,卻可以感受到藝術家的激情和想象。

Olafur Eliasson,他所呈現的正是「設計藝術的藝術」。

DREAMY REALITY

“戀物”&如夢幻覺

Olafur Eliasson,來自冰島的藝術家,他是當今最炙手可熱的藝術家,其藝術作品光怪陸離,如夢似幻,總讓人有一種踏入夢境的感覺。

他曾為倫敦泰特現代美術館造過一個太陽 ▽

The Weather Project, 2013

太陽的表面是一塊特制的塑料板,利用鏡子將所有的光融合成為一體,懸掛在高達35米的渦輪機大廳中,照亮整個展場。

展場中的所有東西都在人造太陽的光輝下都被映照成橘黃色,還帶著微微的黑色陰影。

在這一個夢幻的人造“太陽”下,每個觀眾都有不一樣的感覺和行為,有人躺下,有人擁抱,有人痛哭,有人沉思,有人干脆做起了瑜伽......

雖然共享的是同一個空間,但是人人都不盡相同,每個人都盡可能地在沉浸式的時間和空間中關注自我。

“說這件作品好與不好的人都有,最重要的是觀眾能意識到,即使自己的身邊有著與觀點完全不同的人,仍然可以包容彼此!

在這夢境一樣的現場空間,當你主動去感受藝術,沉浸于藝術的現場之中,重新反思現實,以及自身與現實的關系:你在這里看到了什么?你在這里做什么?....最后你得到的體驗一定是與眾不同的。

這樣說來,Eliasson 一定算得上沉浸式展覽的先鋒藝術家。

沉浸式藝術的創作理念從何而來?

早在1997年,Eliasson 舉辦過一個名為「Room For One Colour」的展覽,整個展廳空無一物,只有頭頂的黃色燈光,觀眾走進來,看著彼此,看著自己的手,發現整個空間只剩下了黃色和黑色 ▽

Room For One Colour, 1997

就是那束黃色的單色光源,將空間之內的所有其他顏色都「抹去」了。

當繽紛的顏色消失后,觀眾對其他事情的關注度就增加了 ,他們開始仔細觀察自己的身體,觀察著身邊的人,陷入難得的好奇當中。

“我創造了一個幾乎已經去除了內部與外部之間界限的空間。這是一個你不太能確定的地方,你無法肯定是跨入了一件藝術品內,還是跨入了美術館的一部分。這種不確定十分重要,因為它能夠鼓勵你跨越習慣的限制去思考和感受!

要模糊現實與夢境的邊界,創造出這種與現實直接對立的幻覺,Olafur Eliasson 用得最多的創作材料不過是「燈光」和「鏡子」。

但是通過對各種“物”來達成讓人著迷萬分的視覺效果。

△ Midnight Sun, 2017

△ The Unspeakable Openness of Things,2018

△ The Sunny Space,2015

NATURAL IMAGINATION

用想象力再現自然

除了“人造太陽”, Olafur Eliasson 以非自然的人造方式把各種各樣的「自然現象」呈現在美術館和博物館的展覽現場,比如制造月相和日食。

△ Deep Mirror, 2016 (人造月相)

△ Solar Compression , 2016 (人造日食)

"我創作的是為體驗現實而設計出來的產物,「自然」是在現實中無法忽視的一環。"

在冰島長大的經歷讓 Eliasson 對自然特別敏感,一些常見的自然元素也能累積成他創作的靈感來源,在他的作品中不只能看到日月星辰,還有山河湖泊。

Eliasson 制造過瀑布,他為美國紐約的曼哈頓帶來四座大型的瀑布,一時成為紐約城中熱話 ▽

The New York City Waterfalls, 2008 (人造瀑布)

河水的流淌不過是一件很平常的事情,突然出現的瀑布,一下子引起對紐約東河的關注,觀眾得以發現這座城市被長期忽略的一面。

有人將此作為一個觀光點,也有人從中得到某些屬于自己的思考。

Olafur Eliasson 還把巨大的瀑布帶進了法國的凡爾賽宮 ▽

Waterfall, 2016, Palace of Versailles

他在凡爾賽宮這座古老寧靜的自然園林之中,建起這樣一座人造瀑布的巨型裝置。

除了從天而降的水柱在視覺、聽覺上造成震撼以外,在一定程度上也喚醒觀眾對新與舊、當下與歷史的感知。

Olafur Eliasson 通過不斷去轉換視角,利用非自然的裝置重現自然現象,增強觀眾的現場感受。

世界上只有少數藝術家,能夠在大城市的空間創作這樣壯觀的藝術事件,背后隱藏的是他對自然與個人的深度思考。

“通過這些作品,你能發現自然原來如此的「大」,也就很容易意識到自身的「小」,嘗試思考自己在自然中的位置,逐漸也能關注到身邊的自然環境!

△ Fog Assembly,2016(人造霧氣)

Eliasson 以一種抽象的、人為的、直接的方式,把「自然」搬到觀眾的眼前,成功將「自然」譯為自己創作的一種語言,把模擬的單位縮小到霧氣、水滴、冰雪、礦物質......

△ Glacial Rock Flour Garden , 2016 (人造冰巖)

從 Olafur Eliasson 的作品中可見裝置、雕塑、新媒體、建筑、工業設計、大地藝術、歐普藝術、超現實主義等各種門類形式的影子,卻不能確切的將其歸類為某種單一的類型。

他超越傳統的裝置藝術,不斷創作出令人目眩的藝術作品,展現出強大的跨越性和開放性,背后是一種無比活躍的想象力和創造力。

在片中,Eliasson 表示自己小時候經常玩涂鴉,父親會讓他在紙上隨意涂畫,最后才會去做一些圖案或者圖形的填充。

“這是一種想象力練習,有點像是讓自己練習去看見一些看不見的東西!

像他在鏡頭前展示的那樣,就算是在畫紙上隨手涂畫的凌亂線條,最后他也能在其中畫出一只貓。

Olafur Eliasson 不是為了畫貓而畫,而是擁有足夠強大的想象力去「發現」線條之間的那只貓 —— 直到今時今日依然高產,看來只有藝術家的想象力不會隨時間衰老。

SEE YOUSELF SENSING

為什么要看懂藝術?

在這部紀錄片中,Netflix 似乎一開始就向藝術家提出了一個不少人的疑問:既然當代的藝術展覽如此抽象,看不懂怎么辦?

“你要相信自己的眼睛,相信自己有能力與這個世界互動!

在Olafur Eliasson 看來,「感受」本是每個人自帶的天賦,也是接觸藝術最直接的方法,忙碌的生活往往讓人忘記去使用它。

而他最擅長的方面就是調動觀眾的感受力,讓觀眾主動去感受藝術,比如在片中說到洛杉磯畫廊的投影項目 ▽

Reality Projector , 2018

藝術家將不同顏色的三角板安裝在建筑的頂部,利用多部投影機將劇院天花板原有的三角結構被重疊、交替投影在墻上,現場還配上了鋼琴演奏和移動的混合聲。

等到觀眾走進來時,他們就會看到墻上有巨大的影子在不停移動,伴隨著耳邊的還是悠遠的轟隆聲和卡嗒聲,整個寬敞的畫廊空間就像是一個三維電影的放映現場 ▽

原本固有的建筑結構被觀眾加入了全新的劇情,有人說在這里看見了城市起重機、港口或現代交通系統,有人看見的是一幅幅的抽象畫、彩色電影等迷幻的影像.......

在藝術家看來,來到展覽的現場觀眾都能感受到藝術,能理解到藝術背后的意義,他們已經足夠聰明,并不需要進行太多的解釋,或者超負荷的心理準備。

觀眾需要的,正是調動自己與之俱來的感知力,真正沉浸在現場之中去感受。

藝術家要將體驗藝術的責任移交回觀眾,把觀眾的互動納入為創作的一個重要環節。

△ Beauty , 1993

在創作最早的第一批作品時,Eliasson 嘗試在室內造出“彩虹”,他發現人之所以能看到彩虹,實際是眼睛的角度、水滴和光線的結合所發揮的作用。

通過噴射的水霧,在適當的光線配合下,觀眾僅僅需要調動自己眼睛的角度,就可以看到一道只屬于自己的“彩虹”,別人是看不到的。

換句話說,觀眾也是這個彩虹裝置的創造者,沒有眼睛就沒有彩虹,藝術也就無從說起。

正是這樣一件技術難度一點也不高的作品,為 Olafur Eliasson 之后多年奠定了重要的藝術理念 —— 藝術是藝術家在工作室進行創作,再加上藝術品實體與觀眾之間的互動而共同生成的。

Olafur Eliasson 鼓勵觀眾參與到協同創作的過程之中,對所在的時間和空間進行感知和思索,成為藝術作品內部的一部分,這對藝術作品的意義生成起著至關重要的作用。

Olafur Eliason 的最新個展「In Real Life」正在倫敦泰特現代美術館舉行,一共展出了四十多個互動性極高的作品。

至于展覽被命名為“現實生活”,藝術家本人是這樣解讀的:

“現實生活基于我們自身所見、所聞、所思、所感和所做的一切,同時也是事物、藝術、空間和城市作用于我們的結果。藝術可以改變我們對世界的認知,有時顛倒乾坤,有時別有洞天,我希望自己為觀眾帶來一些這樣的啟示和疑問!

展期持續至2020年1月5日,要是你也在倫敦,一定不能錯過這個藝術展覽。至少可以肯定的是,你會對“現實生活”有不一樣的答案。


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